Народные промыслы всегда привлекали и привлекают внимание зрителей всех поколений. Может потому что, издревле народным промыслом занимался обычный люд, мастера-ремесленники, которые не заканчивали художественных школ и академий. Народное искусство рождалось в деревнях, в простых избах не с мыслями о высокой художественной выразительности, а в потребности отобразить свое мировоззрение через творчество и прокормить семью. Иными словами, «пишу, что вижу, что меня волнует, как могу», поэтому, наверное, сегодня это так трогательно и понятно каждому из нас. И от взгляда на эти сочные, самобытные цветы, ягоды, причудливых животных и других персонажей становится так тепло и приятно на душе. Этот декоративный язык мы считываем подсознательно, не задумываясь, он в генетической памяти народа.

Не секрет, что в Европе и в мире в целом, народные промыслы уже давно не являются чем-то исключительно народным, архаичным и непонятным современному человеку. Весь мировой современный дизайн строится на том, что промыслы интегрируются в современные интерьеры и бытовые предметы. Россия как будто только «просыпается» в этом отношении. Интерес к русским народным промыслам сейчас медленно начинает возрождаться после распада СССР, на тематических конференциях поднимаются вопросы государственного финансирования промыслов, все больше молодежи начинает интересоваться и обучаться промыслам.

Однако, в отличие от современного дизайна, традиционные народные промыслы часто ориентированы на определенный вид материала (например, дерево, текстиль, керамика) и находятся в какой-то степени в плену этого материала. Поэтому круг потенциальных покупателей народных промыслов ограничивается сугубо любителями традиционных форм, орнаментов и зачастую - это сувенирная продукция. Что же происходит в мире?

В других странах народные промыслы начали работать совместно с дизайнерами крупных производителей, и эта синергия рождает производство современных бытовых предметов, декоративных интерьерных решений, аксессуаров в народном стиле, с традиционным колоритом. Мы можем найти, например, традиционные африканские, бразильские, скандинавские орнаменты в магазинах Икеа. Многие итальянские производители используют традиционные народные орнаменты при производстве современных ламп, ваз, мебели. И при таком большом количестве различных народных промыслов России, мы едва ли можем увидеть на прилавках изделия, например, с Мезенской, Борецкой, Городецкой, росписью?

Да, можно обнаружить стилизацию, например, Хохломской росписи на многочисленных китайских товарах. Это тиражирование диджитал-паттернов, зачастую выполненных компьютерными дизайнерами, без соблюдения правил композиции традиционной художественной росписи и, конечно, не идут ни в какое сравнение с оригинальными образцами орнаментов, хоть и выглядят эффектно. Ведь только художник народного промысла или дизайнер с соответствующей квалификацией может адаптировать орнамент к различным формам с соблюдением канонов и традиций.

Популярность народного искусства волнообразна, со своими пиками и спадами, в силу экономических и исторических событий, но без сомнения мода на изделия в народном стиле никогда не проходит, всегда остаются любители предметов ручного труда, традиционных форм и паттернов.

Давайте полюбопытствуем, что же сейчас «в тренде», выражаясь современным языком, согласно запросам в Интернете и анализу действующих предприятий народного промысла на рынке России. Что люди «гуглят», о чем ищут информацию, что хотят купить или подарить?

Изначально Мезенской росписью занимались исключительно мужчины. Мастера передавали свои навыки от поколения к поколению. Начинающие мастера сначала учились значению символов, изучали композицию, наносили контуры, только после продолжительных тренировок с базовыми элементами переходили к созданию сложных орнаментов.

Кто-то считает этот орнамент странным и примитивным, кто-то же наоборот с восхищением не может оторваться от созерцания четкой геометрии, ритма рисунка. Однако, никто не может отрицать, что и по сей день Мезенская роспись смотрится очень самобытно, стильно и современно.

Городецкая роспись – это прежде всего жанровые сцены. Художники изображали сценки из купеческой жизни —барышень с кавалерами на прогулке, охотников, всадников, семейные застолья, ярмарки, а также вороных коней, петухов с гордо поднятой головой и пышным хвостом.

Композиция в Городецкой росписи трёхъярусная. Верхний и нижний ярусы – сюжетные и по центру разделены цветочной полосой. Надо отметить, что городецкие мастера росписи любят цветы. Цветочные гирлянды и букеты разбросаны как среди персонажей жанровых сцен, так и собираются в отдельные цветочные композиции из розанов, купавок, ромашек. Где сюжет позволяет, для придания некой сценичности, мастера изображают занавес, подхваченный шнуром с кистями. Декоративность мотивов подчеркивается декоративностью цвета и приемов. Роспись очень яркая, контрастная. Для фонов используются ярко-зеленый или насыщенный красный, глубокий синий, иногда черный, на котором сочная палитра Городецкого многоцветия играет еще веселее. Мастера работают кистью без предварительного рисунка, свободным и сочным ударом, создавая то широкий мазок, что тончайшую изящную линию.

В классической Хохломской росписи используются только 4 цвета – красный, черный, зеленый, желтый. Очень редко в росписи использовали бирюзовый, изумрудный, оранжевый или красный фоны.

Однако, в конце XX века на предприятии Художественное объединение «Надежда» появилась роспись в холодных сине-розовых тонах и мастера писали по серебряному фону, не покрывая олифой. Так появилась «Вологодская хохлома».

Также существует еще «Липецкая Хохлома», где преобладают золотой и красный цвета.

В Хохломской росписи различают «верховое» и «фоновое» письмо. В верховой росписи орнамент создается на золотистом фоне тонкими мазками. Композиция выглядит легкой и воздушной. Для фоновой росписи сначала наносится контур рисунка, а затем черным или красным цветом закрывается пространство между элементами. Фоновая роспись считается более трудоемкой и требующей высокого мастерства художника.

Хохломская роспись обрела всемирную известность еще в середине XIX века, попав на рынки Индии, Китая и Западной Европы. И по сей день эта роспись остается наиболее узнаваемой и ассоциируемой с русской культурой.

В начале XIX века здесь появились заводы, на которых изготавливали фарфор. Первое предприятие здесь основал в 1810 году купец Павел Куличков. Сначала роспись по фарфоровой посуде была цветной, но в середине XIX века в Россию пришла мода на бело-голубые голландские изразцы и китайский фарфор тех же оттенков. Вскоре синие узоры на снежном фоне стали отличительной чертой гжельской росписи.

Классика гжели — кобальтовый оттенок на белом фоне. Изделие опускают в белоснежную глазурь, потом обжигают в печи при температуре 1400 градусов. В итоге покрытие получается прозрачным, а рисунок становится насыщенным.

Узоры гжели делятся на 4 категории:

• Сюжетный рисунок - ярмарки, пейзажи, катание на санках.
• Орнамент - капельки, травинки, жемчужины.
• Растительный узор - ягоды, цветы, травинки
• Животные - птички, зайчики и прочие обитатели лесные.

Как и Хохломская роспись, Гжель узнаваема и популярна за пределами нашей страны. Гжельская роспись востребована, современна и актуальна.

Главный мотив Жостовской росписи – цветочный букет на черном фоне (иногда красном, синем, зелёном, серебряном), в котором чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы. Традиционно мастера выполняли четыре вида рисунков: «Букет собранный», «Букет враскидку», «Венок» и «Ветка с угла». В центре изделия художники обычно располагали яркие крупные растения. Тень и мелкие цветы по краям рисунка создавали иллюзию объема. Чтобы рисунок светился изнутри, мастера добавляли в краски металлический порошок, сусальное золото или делали вставки из перламутра.

На сегодняшний день жостовский промысел процветает. Спрос на расписные подносы не падает, рисунок каждого изделия уникален, ведь мастера расписывают их вручную.